アート観客   since 1996

1996年からアートを観客として見てきました。その記録を書いていきたいと思います。

アート観客のはじまり

 このところ、アートを見る機会が、ほぼなくなってしまいました。

 今の状況では、仕方がないとも思いますが、この20年以上、特に辛い時など、気持ちを支えてもらってきた事実も変わらないと思っています。そして、今振り返ると、ありがたい気持ちにもなります。

 実際に、直接、アートに触れることがほぼできなくなってしまった、この機会に、ここまで見てきた展覧会、個展、本、作品などのことを、少しずつ、書いて、伝えてみたいと、思うようにもなりました。

 最初は、それまでアートにほぼ興味がなかった人間が、どうやってアートを見るようになった話から書いてみたいと思います。

 

 

 昔は、美術やアートと呼ばれるものに、ほぼ興味が持てなかった。

 学生の授業の時も面倒くさくて、美術が好きではなかった。

 美術にまつわることも、好きではなかったと思う。

 

 高校の時、隣のバス停から乗ってくる女子が、肩かけのカバンを頭にかけて後へたなびかせていた。頭にみぞがある、といわれるくらい、そのカバンはズレなかった。その子は演劇部だった。美術とは違うのだろうけど、自分の中では一緒で、バスの窓から走る姿が見えるたびに、不思議な気持ちになっていた。

 

 大学の時、美大系のサッカー部と試合をしたことがある。約30年前なのに11人の選手のうち、2人もモヒカン刈り(ハードバージョン)だった。あまり近くに寄りたくないのに、マークすべき選手がそのうちの一人だった。彼はチームの中では上手いのにヘディングをしない。そのぶん守っていて楽だった。

 

 社会人になって、スポーツのことを書く仕事を始めた。

「芸術的なプレー」という表現に、「なんで、芸術の方が上みたいな書き方をするんだ?」などと軽い反感を憶えていた。

 

 1990年代「トゥナイト2」という深夜番組があった。とても軽いタッチの深夜番組。そこで、イベント紹介があった。「TOKYO  POP」。その展覧会は神奈川県の平塚でやっていることを知った。わずかに映る場面はちょっと魅力的だけど、都内からは遠い。でも、妻が行きたがった。

 

 出かけて、良かった。

 身近な印象の作品も多かったが、それが逆にリアルで、いいと思えた。

 これまで、ひたすら自分と関係ないと思っていたアートの方から、初めてこちらに近づいてきたように思った。

 30代になって、初めて、アートが面白いと思った。

 

 それまでの遠ざける感じから見たら、調子がいいとは思うのだけど、それから、アートは自分にとって必要なものの一つになった。

 それが1996年のことだった。

 

 気がついたら、美術館やギャラリーに、作品を見るために、出かけるようになっていった。自分にとって、ウソのない作品が見たいと思っていた。辛い時ほど、触れたくなった。気持ちを支えてくるものになっていた。週1レベルだから、たいした数ではないかもしれないけれど、気がついたら、20年以上の時間がたち、何百カ所は行ったと思う。

 

 今回の機会に、これまでの記録を少しずつ、お伝えしていきたいと思っています。

 

 

 

 

 

(右側のカテゴリーは、

 「展覧会の開催年」

 「作家名」

 「展覧会名」

 「会場名」

 「イベントの種類」

 「書籍」

 

 の順番で並んでいます。

 縦に長くなり、お手数ですが、

 そうした項目の中で、ご興味があることを

 探していただけると、ありがたく思います)。

 

 

『ニール・ホッド個展 「Flowers of Memory」。2026.7.4~8.8。KOTARO NUKAGA(天王洲)。

2026年8月8日。

 何度か来たことのあるギャラリー。

 今日は、誰の個展なのかを知らずに来たけれど、その作品を遠くから見ると、モネの睡蓮のように思えて、近づくと、その質感が、やはり現代のものだと思えた。

 見ていると、不思議な感じがしてきて、なんとなく「工業」の気配もあって、どうやって制作しているのだろうとも考えてしまう。

 

kotaronukaga.com

リネンやキャンバスの上に重ねられた油彩とクローム、そこに注がれる酸やアンモニアの化学反応を経て立ち上がる絵画は、銀色の鏡面のなかに咲き誇る花々の楽園を浮かべ、観る者の像をそのまま画面のなかへと迎え入れます。風景画というジャンルを起点としながら、絵画の表面そのものを、光と記憶が降り積もる場として再構成する試みです。 

         (『KOTARO NUKAGA』より)

 ホームページのステートメントには、こうして制作の過程にまで触れていて、この人為と、それ以外の要素も取り入れている感じが、不思議な質感や造形を生んで、それで、つい見てしまう平面作品になっているのだと思った。

 

 

 

 

 

 

Tokyo Gendai。2026.9.11~9.13。パシフィコ横浜。

2026年9月13日。

 アートフェアの熱気は、普段の美術館などの展示と違って、売買が表立っていて、それが購入することもできず、ただのアートの観客としては、ちょっと居心地が悪い。それでも、その時の、おそらくは最も新しい現代アートに触れられる機会としては興味がある。

 Tokyo Gendaiは、2023年から始まっていて、気がついたら、第4回目を迎えていた。だけど、入場料5000円が、ただの観客にとっては高額だし、と思っていたら、アートサイトで招待券プレゼントの応募をしていて、ありがたいことに当選の知らせをもらって行くことができた。

 会場には、様々なギャラリーのブースが、それこそ立ち並んでいて、それぞれの作品に関連性はなく、だから、見て回って、興味が出たブースには少し長く滞在する、というようなことをしていた。だけど、アートのコレクターなどではないから、なんとなく遠慮するような気持ちで、一通りは見られたと思う。

 映像作品もあったが、こうした作品の売買に関しては、まだ理解していそうで、できていないけれど、これからも増えるのだろうけど、映像作品は、その前にベンチがあるので、休憩がわりに座っている人もいた。

 

 中でもカイカイキキギャラリーは、ブースだけではなく、その外側のスペースまで使って、Mr.の大きい立体作品も展示していた。先日まで個展をしていて、見たいと思いながらも遠方のために諦めていた作品を、ここで見ることができたのは幸運だったし、やはり見て良かったと思えた。

 会場には、思った以上に人がいて、そして、こういう機会でないと見られないような作家の作品もあったし、不思議な存在感のある人たちもいたし、この空間に、ずっとエネルギーが満ちていた。

 貴重な体験になった。

 

 

 

 

tokyogendai.com

 

 

「SNS で出会ったアーティスト達 ― 出会ったその時・現在・未来 ―」。2026.8.14~9.13。カイカイキキギャラリー。

 

 いろいろなことが知らないうちに起こって、そして、気がついたら変化していく。

 なんとなくギャラリーがなくなったりするニュースを見聞きすることが多いかも、くらいの印象だったのだけど、そんなのんきに構えていていいことではなかったのを、カイカイキキギャラリーの企画で知った。

https://gallery-kaikaikiki.com

カイカイキキ特別企画イベント 「日本アート現在地 2026夏」

2026 年1月、小山登美夫ギャラリーが全株式をM&A売却した、という衝撃的なニュースが告知されました。

ギャラリーが M&A?疑問符、驚きがソーシャルメディア(以下SNS)を賑わせました。同じ頃、アメリカのPace Galleryがアーティストの大幅リストラ、アートマーケットへのネガティブな公式見解を発表。アメリカ、イギリス、フランスのギャラリーでも廃業、M&Aのニュースが2025年頃より漏れ伝えられていました。Pandemicを挟んでアートマーケットはバブルと言えるほどの活況でしたが、そのブームも終わり、その不況を喰らってのギャラリーの在り方の変革でしょう。

一方、アーティストの状況は?と言うと、2020年から2024年までは市場が大きく盛り上がり、Instagramを通じて作品が発見され、直接作品を販売したり、海外の新興ギャラリーに所属するアーティストが増えました。ですが、上記の様に2025年以降は状況が変化し、多くのギャラリーが閉廊し、アーティストの作品売買も停止してしまっている様です。

渦中ど真ん中の小山登美夫ギャラリーの小山登美夫さん、そしてM&Aを実行した倉富佑也さんをお呼びしてのトークを行い、いろんな疑問に答えてもらおうと思います。

そして、私たちカイカイキキギャラリーがSNSで出会った作家さん達にも、最近の温度感など含めてリアルな状況を話してもらい、情報共有したいであろうアーティスト達とディスカッションできると良いのではないかと、そちらのトークショーも用意しました。

                        (『カイカイキキギャラリー』より)

 

 こうしたアート会の変化自体を、全く知らなかった。

 同時に、こういう企画を実現できるのは、このギャラリーの代表で、現役の現代アーティスト村上隆だからでは、という思いにもなったし、こうしたことをすぐに形にするのはすごいと思ったし、行きたいと感じたが、恥ずかしながら、この企画を知ったのは、このトークショーが終わったあとだった。

 ただ、このSNSで出会った作家の展覧会には間に合いそうだったので、久しぶりにバスを乗り継いで、カイカイキキギャラリーへ向かった。

 

2026年9月12日。

 小雨が降っている天候だった。

 このところ、毎日のように雨が降り続いていて、もしかしたら、梅雨の時よりも雨の日が多いかもしれない。

 ギャラリーへの入り口になる地下1階への階段は静かで、降りていくと、受付のスタッフの方がいて、頭を下げて、あいさつをして、ギャラリーへ入る。

 いつも、こういう時は、どんな言葉を言えばいいのだろうと思うが、無難な「お邪魔します」的な、もしくは「こんにちは」といったことを、小さい声で言うことになる。

 コンクリートのホワイトキューブの展示室と、畳の部屋の展示室の両方があって、すみずみまできれいで、空気まで清潔感があって、その上でいつも少し緊張感まである。

 それは、そこに展示してある作品から出ている気配だと思う。

 

https://gallery-kaikaikiki.com

Kaikai Kiki Galleryでは、8月14日より9月13日まで、特別企画展「SNSで出会ったアーティスト達 ―出会ったその時・現在・未来―」を開催いたします。本展では、Kaikai Kiki GalleryがSNSを通じて出会ったアーティストを紹介し、それぞれの過去の作品と現在の作品等を展示します。Pandemic以降、Instagramを通じて作品が発見され、直接作品を販売したり、ギャラリーに所属するアーティストが増えました。一方で、2020年から2024年までは市場が大きく盛り上がったものの、2025年以降は状況が変化し、多くのギャラリーが閉廊し、アーティストへの声掛けも減少していると聞きます。こうした状況の中で、今後のアートのあり方を模索することも芸術制作につながると考え、本企画を立案しました。アートの最先端をぜひ体験してください。

                        (『カイカイキキギャラリー』より)

 確かに、その言葉を裏切らないような新しさがあったと思う。

 さらに、不穏さも底の方から漂ってくるような作品も少なくなく、それは、自分にとっては緊張感を感じる心地いいものでもあった。

 立体もあるし、作風も様々だけど、そこに展示されている、という共通点があるせいか、印象としては、硬質で切実で、あまり大雑把にくくるのは失礼かもしれないけれど、伝わってくる気配は似ているように思えた。

 来てよかった。そして、今さら言っても仕方がないのだけど、トークショーにも行きたかった、と思った。

 

 

 

 

 

 

 

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『高浜利也 目黒でいえあつめ』。2026.6.27~8.30。目黒区美術館。

2026年8月27日。

 目黒区美術館に行ったときに、アンケートを書いた。できたら、招待券も欲しいと思ったので、住所や名前なども記入した。

 そのことを忘れた頃、封筒が届いた。中には招待券が入っていた。ありがたい。勝手なものだけど、最初は予定に入っていなかった「高橋利也 目黒でいえあつめ」の展覧会に来た。

 

https://www.mmat.jp/exhibition/archive/2026/20260627-476.html

(「目黒区美術館」)

 

 ワークショップなどで家をつくったりする展覧会、ということだったが、チラシで写されている物質のようなものが不思議だったし、面白そうだと思っていた。展示室の最初には、エッチングが並んでいて、シャープでかっこいいと感じた。

 他にも黒い物質のようで、そうではない立体もある。

 いえが並んでいる展示室は、やはりバリエーションと広がりがあって、思った以上に豊かな空間になっていた。

 午後1時からワークショップがあるのを知って、少し待ってから、参加した。さまざまな木片がたくさんあって、その中から五つ選んで、作業室のようなところに行き、そこに準備された筆記用具や、両面テープなどで、いえに自由にしていく、というワークショップ。制限時間は一応30分くらい、と言われたのだけど、思ったよりも楽しかった。妻と二人で、そのワークショップができたから、より気持ちが盛り上がったのだと思った。

 自分の作ったものも、展示室に置かせてくれた。作品に参加したような気持ちになれて、やっぱりうれしかった。

 

 

 

 

 

 

 

 

現代美術作家・平子雄一のビューイングルーム「THE HIRAKO HOUSE TOKYO」。TERRADA ART COMPLEX Ⅱ。

2026年8月8日。

 寺田アートコンプレックス。暑いときは、品川駅からバスに乗って、ここに来る。ギャラリーは増えてきて、建物にはカフェもできて、だんだん華やかな場所になってきた印象はある。

 そして、目的の展示を見たあと、何階かに行って、作品を見る。

 知らない作家名。見た記憶のない作品。ただ、よくできているのはわかったが、まるで、おもちゃ売り場のようだけど、植物と人間が混じり合っているような世界で、明るい違和感はあった。

 そして、そのスペースの隅っこの方に、倉庫のような、物置のような場所があった。そこには、いろいろな作品がびっしりとあって、その真ん中にはスマートボールがあった。

 そこにはスタッフもいないし、動かないのかもしれないと思っていたのだけど、よく見ると、五百円玉を入れたら、カプセルが出てくるようだった。たまたま持っていたので、それを入れて、ハンドルを回すと、カプセルが出てくる。スマートボールを弾くと、釘に当たって、落ちてくる。真ん中には穴があって、そこに入れば、取り出し口のようなところから出てくる。だけど、実際のスマートボールだったら、それ以外のハズレは、何ももらえないのだけど、このスマートボールは、一番下のガラスは空いているから、そこから取り出せる。

 というシステムのスマートボールなのはわかったが、できたら、「あたり」に入れたいと思うけれど、やっぱり入らず、下からそのカプセルを取った。

 中は、緑色の頭が樹木のような人間のようなフィギュアだったけれど、印象はかわいかった。よくできていた。

 

 https://www.terrada.co.jp/ja/news/16280/

「THE HIRAKO HOUSE TOKYO」は、現代美術作家・平子雄一自らが手がけた、その世界観をより身近に体感できるビューイングルームです。 本スペースでは、これまで美術館やギャラリーでしか見ることのできなかった大型作品を中心に展示されます。

また、本スペースのために新しく制作された完全オリジナルのピンボールマシンも設置され、ゲームにチャレンジすると、今回が初お披露目となる「新色」を含めたオリジナルフィギュアを手に入れることができます。 どのカラーが出てくるのかは、チャレンジしてからのお楽しみです。アート鑑賞の合間に、遊び心あふれる新作のピンボールマシンもご体験いただけます。

オープニングでは、東京では初の展示となる「Wooden Wood 74」が特別公開されます。作品は定期的に入れ替わり、平子雄一の現在進行形のクリエーションを体感できます。

                             (『TERADA』より)

 

 この場所が一人の現代美術家のビューイングルームであって、他のギャラリーのように色々な作家の作品が見られるわけでもなく、いつも平子雄一の作品が展示されている場所だというのは、家に帰って、初めて知った。

 定期的に作品は入れ替わるけれど、ここに来た時に、オープン時と、どのくらい変わっているのかはわからなかった。だけど、個人のビューイングルームとしての場所があるのは、やっぱり珍しいと思った。

 

 

 

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『Dialectical Landscape/ 弁証法的風景』。2026.6.20~8.16。Art Center NEW。

2026年8月15日。

 横浜みなとみらい線。横浜から一つ目。各駅停車しか停まらない新高島町という駅。ここには確か、以前もギャラリーのような場所があったはずだ。何度か足を運んだけれど、そこがなくなるかもしれないという話を聞いたと思ったら、詳細はわからないが、運営母体が変わって、再びアートの施設として再スタートを切った、という話を知ったのが2025年だった。

  だから、一度は行きたいと思っていたのだけど、なかなか行く機会もないのは、その場所が、個人的には、どこかへ出かけた時に通る場所ではなかったせいだと思う。今回、展覧会が魅力的に思えたので、自分の行動範囲の導線から外れていたけれど、行くことにした。

https://artcenter-new.jp/dialectical-landscape/

         (『Art Center NEW』より)

 テーマは「アースワーク」。かなり前のテーマのようにも思えた。

本展は「アースワーク」をキーワードとしています。ここでは「アースワーク」を1960年代以降に展開された大地を素材にした芸術作品に限定せず、より広く「堆積、浸食といった大地自体の造形作用と、掘削、埋戻し(あるいは彫像、塑像)といった人間の造形作用が応答し合う場」と捉え、トンネルや堤防等の土木構造物などをも含めて考えます。

               (『Art Center NEW』より)       

さらに、この場所についての言及があり、これで見に行きたいと思えた。

 

ところで会場となるArt Center NEWは、地下鉄の新高島駅の構内に位置しています。この空間は約1万年前以降の温暖化の影響で海水面が上昇したことによって海になり、明治期に鉄道建設などに際して埋め立てられ陸となり、その後地下鉄駅建設のため大きな穴を掘って築造されました。そして今もなお、地下水位以下にあるこの空間の壁面からは地下水が侵入してきていて、この空間自体も動き続ける一つの「アースワーク」であると言えます。

                      (『Art Center NEW』より) 

 

確かにそうだった。横浜という地域自体が、それだけ地球との関わりが多い場所だったことを思い出される。

 地下鉄の駅の構内、という独特の場所。

 そのチケットも、この展覧会のチラシから切り取ったような形になっていたり、入場料で、会場で紅茶もサービスされるという工夫もあって、そういうところも鑑賞者の気持ちを上げてもらえた。

 

 駅の構内を生かした細長い展示スペース。その空間で展示されている作品は、基本的には体を張ったようなものが多い印象で、それは大地や、もしくは土木関係との関わりのようなことを作品にしていくのであれば必然のようにも感じた。

  どの作家も新鮮で生々しさを感じさせてくれたのだけど、中でも、気になった作家が何人かいた。

 

地上絵と言える規模のものを実際に人手を借りて実現させた淺井裕介。

 

小さい黒く焦げたようにしか見えない木片は、たとえば流木のようなものを海岸で拾って、それを、その場所で虫眼鏡を使って、焦がして線を入れていく作業がされた、という説明があると、途端に、その小さな作品の見え方が変わってくる。それを制作したのは、ロジャー・アックリング。そういう時間も取り入れているものは魅力的に思えた。

 

さらに、どこかの本で、その存在を知って、一度は展示を見たいと思っていたのが、百頭たけしだった。(後になって、以前、一度作品を見ていたことがわかったが、記憶になかった)。自転車に乗って、武蔵野線や国道16号戦に多く存在する産廃業者や、土木関係の業者を巡って、そこに展開される作業の結果、そして、いわゆる産業廃棄物によって、無意識の作品のようになってしまった物質の集積現場を写真に、もしくは動画に残していて、それは、画像や映像を通して、それも上空など日常的でないアングルで見させてもらったせいで、美しく感じた。

 

他にも、町のガードレールなどを布で拭く行為を作品化した石﨑朝子。その行為を動画で、しかも数多くの画面で一斉に行われているのを見ると、無意味とか無償とか無限とか、言葉になりにくい感覚を呼び起こされた。

 

来てよかった。

 

展覧会の場所も生かした展示になっていたと、確かに思った。かなり考えられた展覧会だという印象が残った。

 

 

 

 

 

 

荒木経惟 個展 アラーキー「愛の皮膜」。2026.7.21〜8.8。ANOMALY。

2026年8月8日。

 天王洲のギャラリーには、何度か来ている。

 だけど、目的の展覧会以外には、あまり情報がないまま現地に来て、動きのゆっくりなエレベーターに乗って、何ヶ所か見にいく。

https://anomalytokyo.com/exhibition/araki-ai-no-himaku-loves-membrane/

                    (『ANOMALY』)

 このアラーキーの個展もそうだった。

 アノーマリーで開催するのも少し意外な感じもしたのだけど、そこに展示されている作品は、これまでに見たことがあるものも少なくなかった。

  そして、とてもなつかしく思えたし、独創的なアーティストと同様に、その写真を見て「あ、アラーキーだ」と思ってしまっていた。

  独特な生々しさと、ファンタジーの気配は、こうして作品をまとめてみると、荒木経惟という写真家は、改めて貴重な存在だったのではないか、と思う。

  気持ちも作品に影響されて、少し湿度が上がった気がした。

 

 

 

https://link.amazon/B09kDi5pb

(『荒木経惟 センチメンタルな旅 1971-2017-』)

 

 

 

 

 

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