アート観客   since 1996

1996年からアートを観客として見てきました。その記録を書いていきたいと思います。

アート観客のはじまり

 このところ、アートを見る機会が、ほぼなくなってしまいました。

 今の状況では、仕方がないとも思いますが、この20年以上、特に辛い時など、気持ちを支えてもらってきた事実も変わらないと思っています。そして、今振り返ると、ありがたい気持ちにもなります。

 実際に、直接、アートに触れることがほぼできなくなってしまった、この機会に、ここまで見てきた展覧会、個展、本、作品などのことを、少しずつ、書いて、伝えてみたいと、思うようにもなりました。

 最初は、それまでアートにほぼ興味がなかった人間が、どうやってアートを見るようになった話から書いてみたいと思います。

 

 

 昔は、美術やアートと呼ばれるものに、ほぼ興味が持てなかった。

 学生の授業の時も面倒くさくて、美術が好きではなかった。

 美術にまつわることも、好きではなかったと思う。

 

 高校の時、隣のバス停から乗ってくる女子が、肩かけのカバンを頭にかけて後へたなびかせていた。頭にみぞがある、といわれるくらい、そのカバンはズレなかった。その子は演劇部だった。美術とは違うのだろうけど、自分の中では一緒で、バスの窓から走る姿が見えるたびに、不思議な気持ちになっていた。

 

 大学の時、美大系のサッカー部と試合をしたことがある。約30年前なのに11人の選手のうち、2人もモヒカン刈り(ハードバージョン)だった。あまり近くに寄りたくないのに、マークすべき選手がそのうちの一人だった。彼はチームの中では上手いのにヘディングをしない。そのぶん守っていて楽だった。

 

 社会人になって、スポーツのことを書く仕事を始めた。

「芸術的なプレー」という表現に、「なんで、芸術の方が上みたいな書き方をするんだ?」などと軽い反感を憶えていた。

 

 1990年代「トゥナイト2」という深夜番組があった。とても軽いタッチの深夜番組。そこで、イベント紹介があった。「TOKYO  POP」。その展覧会は神奈川県の平塚でやっていることを知った。わずかに映る場面はちょっと魅力的だけど、都内からは遠い。でも、妻が行きたがった。

 

 出かけて、良かった。

 身近な印象の作品も多かったが、それが逆にリアルで、いいと思えた。

 これまで、ひたすら自分と関係ないと思っていたアートの方から、初めてこちらに近づいてきたように思った。

 30代になって、初めて、アートが面白いと思った。

 

 それまでの遠ざける感じから見たら、調子がいいとは思うのだけど、それから、アートは自分にとって必要なものの一つになった。

 それが1996年のことだった。

 

 気がついたら、美術館やギャラリーに、作品を見るために、出かけるようになっていった。自分にとって、ウソのない作品が見たいと思っていた。辛い時ほど、触れたくなった。気持ちを支えてくるものになっていた。週1レベルだから、たいした数ではないかもしれないけれど、気がついたら、20年以上の時間がたち、何百カ所は行ったと思う。

 

 今回の機会に、これまでの記録を少しずつ、お伝えしていきたいと思っています。

 

 

 

 

 

(右側のカテゴリーは、

 「展覧会の開催年」

 「作家名」

 「展覧会名」

 「会場名」

 「イベントの種類」

 「書籍」

 

 の順番で並んでいます。

 縦に長くなり、お手数ですが、

 そうした項目の中で、ご興味があることを

 探していただけると、ありがたく思います)。

 

 

水戸部七絵『Painting, Maybe』。2026.4.29~5.10。ビームス カルチャート 高輪。

2026年5月9日。

 新しくできた駅。新しいビルの中に、初めて入った。

 とてもおしゃれな気配が強く、少しこわごわしながら、目指す場所に行った。

 ビームスのショップ。

 さまざまなものを販売しているセレクトショップのような場所。

「ビームスカルチャート 高輪」と名付けられている。

 そこで水戸部七絵の個展をすると知り、そこに向かった。

 

https://www.beams.co.jp/news/4831/

「赤いドローイング」は、作家が関心を持った記事や人物像に対し、日記のように描き続けてきたシリーズです。自身が長年向き合ってきた「スター(象徴)」や「メディアを通した人物像」というテーマを、より直接的で、時に破壊的ともいえる筆致で表現しています。

                           (『ビームス』より)

 

 ここにある作品を見ながら、絵の具を、厚塗りというよりは、物質のようにたっぷりと使う手法で、人物などを表現し、その印象が強烈だったので、そうした作品を期待していたことに気がついた。

 だけど、当たり前だけど、ある時期の作風だけを見たいと思うのは、その作家の可能性のようなものを見ようとしていない、という未熟な鑑賞なのかもしれない、と思った。

 スタッフの人の言葉によると、最近は、作品の中に文字を使うようになってきた、ということだった。確かに、そういう傾向はあるみたいだし、その文字を使って、商品化したものも魅力的だった。

 変わっていくのが作家だけど、それに対して、どう対応していくかも鑑賞者に問われている、ということなのだろう。

 

 

 

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『Rock is Dead』 水戸部七絵

 

 

 

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『ON PAPER:Art and Print Market』。2026.4.29~5.6。WHAT CAFÉ。

2026年5月2日。

 ギャラリーに作品を見に行ったときに、その制作意図も含めて、話をしてくれた作家の人がいて、連絡先を伝えたら、展示会などの活動をメールでくれるようになった。

 ありがたい。

 それで今回、あまり足を運ばない場所での展示があると知って、出かけた。

 寺田倉庫がアートに力を入れている天王洲の地域。その中で、運河のそばにあるカフェでもある場所で、展覧会がある。

 

https://cafe.warehouseofart.org/exhibition/what-cafe-exhibition-vol-45-on-paper-art-and-print-market/

5月のゴールデンウィーク期間、WHAT CAFEでは2回目の展覧会「ON PAPER」を開催します。昨年も多くの好評をいただいた本展では、WHAT CAFEを含む若手作家の支援に力を入れる国内10軒のギャラリー等が参加し、ドローイング、版画、写真、切り絵など、紙という素材の可能性を追求した現代アート作品約500点が会場に集結します。

 

シンプルで身近な素材である「紙」から生まれる表現は実にさまざま。軽やかな線のドローイングから、繊細な版画、和紙を利用した立体作品まで、多彩な作品が空間いっぱいに広がります。一度に多様な表現に触れることで、まるでアートのマーケットを巡るように、作品を見比べながら「自分だけのお気に入りの一枚」を探す楽しさを体験いただけます。 

       (『WHATCAFÉ』より)            

 

 一度、展覧会がないときに来たときと印象が違っていて、かなり広く展示空間があって、さまざまな作家の作品が並んでいる。失礼ながら、名前を知らない人が多かったけれど、それは、それだけ、若手の支援に力を入れている、ということなのかもしれないとは思った。

 同じ紙でも、確かに人によって違う。

 これだけ一度に多くを見られるのは、確かに意味があるのかもしれないし、確かにアートマーケットだと思った。

 

 

 展示の情報を伝えてくれる作家・奥天昌樹の作品を見た。

 これが、今日の目的だった。

 前回見た作品とは違うのだけど、それほど広くない画面なのに、意図の密度が高いために、存在が強い。線や形や色が、こちらに向かって、伝えてくる力を強めに感じる。

 それは、前回、作家本人の話を聞いていたせいかもしれないけれど、見に来てよかった。

 作品が6点並んでいるが、そのうち5点は、すでに売約済みの赤い丸があった。

 

 

 

 

 

クリスチャン・マークレー|LISTENING。2026.4.4~6.30。ギャラリー小柳。

2026年4月18日。

 銀座のメインの通りのようなところから、少し入ったところに、ギャラリー小柳に向かえるエレベーターがある。その9階にギャラリー小柳がある。

 それほど何回も来たことがないが、ごく一般的なギャラリーの面積のはずだけど、展示に合わせて、レイアウトがかわり、ギャラリーの印象そのものがかわる。それだけ作品を大事にしている、ということなのだろう。

 

 今回は、クリスチャン・マークレーの個展。

 失礼ながら、その名前の記憶はなかったが(実は、以前、この作家の作品を見ていて、それに対して印象も残っていたのだけど、その時は映像作品で、今回と全く違うので、恥ずかしながら覚えていないだけだった)、ギャラリーの中の平面作品は、耳をテーマにしたものだった。耳がヘッドフォンのようになっているコラージュ。少し考えれば、怖いのかもしれないが、基本的には同じなのだけど、そのイメージが繰り返し描かれ、それが連作のように壁に並んでいる。

 シャープで、どうしてだかわからないが、新しさのようなものを感じて、何も知らないと、若い作家なのかと思った。

 

gallerykoyanagi.com

 

クリスチャン・マークレーは1955年アメリカ・カリフォルニア生まれ。スイス・ジュネーヴで育ち、ボストンのマサチューセッツ芸術大学とニューヨークのクーパー・ユニオンに学びました。1979年にレコードとターンテーブルを楽器として用いたパフォーマンスを開始。実験音楽の分野で先駆的存在となります。1980年代以降は即興的なパフォーマンスのほか、聴覚と視覚の結びつきを探る作品を映像、写真、彫刻、絵画、版画などのメディアを往還してつくり続けています。2011年のヴェネチア・ビエンナーレでは《The Clock》で金獅子賞を受賞。日本においては2021年に東京都現代美術館で「クリスチャン・マークレー トランスレーティング[翻訳する]」を開催しました。

                       (『ギャラリー小柳』より)

 繰り返しになるが、プロフィールによると、クリスチャン・マークレーは70歳を越えている。70年代からパフォーマンスを開始し、その後もさまざまなメディアでの作品を制作し続け、50歳を越えてから、ヴェネチア・ビエンナーレで評価を受けているのだから、そうした経歴は実は珍しいのではないかと思うと同時に、世界的に認められたのが50代後半としたら、それから「まだ15年しか経っていない」という言い方もできるから、作品に新しさを感じて当然なのかもしれない。

 

 などとは思うし、年齢のことばかりを言うのは失礼だけど、70歳でまだこうした作品を制作しているのは、すごいと思うのと同時に、比べられるわけもないけれど、これから歳を重ねるだけになっている自分にとっても励みになる。

 来てよかった。

 

 

 

 

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『クリスチャン・マークレー  トランスレーティング』

 

 

 

 

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「Obol」展 アンドリウス・アルチュニアン。2026.2.20~5.31。銀座エルメス ル・フォーラム。

2026年4月18日。

 エルメスのギャラリーには、何度か来ている。

 最初は、店内を通らないエレベーターで、途中で、店内を通らないといけない時があって、その頃は緊張したが、今は、また違うエレベーターで行けるようになって、ホッとしている。

 エレベーターの小窓からは、肉眼では見えないが、その外の壁に、どうやら作品が描かれている。止まると、山口晃の作品だと分かり、どうやら、ラフの段階から、完成までを一枚ずつ並べているらしいこともわかる。ぜいたくな設置の仕方だと思う。

 

 他の観客と一緒に9階で降りる。

 ギャラリーは、8階と9階を使っているから、とても高い天井になっていて、9階はロフトのような構造で、眼下に作品を見ながら、壁に並べてある銀製の小さなメダルのような、硬貨みたいな小さい立体が並ぶ。

 なんだかわからない。きれいだけど、粗っぽい仕上がりでもあって、物質感が強い。

 スタッフに尋ねると、これは東洋で言えば、三途の川を渡してくれる舟を漕ぐ人に渡す「お金」のようなものらしい。

 この展示は、冥界、それも未来のあの世を表現しているらしい。

 

 8階へ降りる。

 テクノロジーを使って、黒くて長い板で作品になっている。そこに文字が浮かんで、冥界の様子が描写されている。次々と文字は変わる。文字の色は赤。

 一番広い展示室には、板を曲げたような舟。

 黒くて、ドロドロしたもので表面が固められている。

 

www.hermes.com

アルチュニアンは、かつては聖性を付与されながら、現代では世俗的用途に転用されている物質「瀝青」を制作に用います。本展は、この極めて粘性が高く漆黒な石油由来の物質である瀝青をイメージの起点に、冥界の渡し守カロンの神話や、古代の宗教から語り継がれる神格へとオマージュを捧げます。

                        (『エルメス』より)

 

 この作品にも使われているのが、「瀝青」というなじみのない物質のようだが、そういえば、昔は道路の穴を埋めるときに使われていたコールタールを思い出す。

 この会場には大きなスピーカーから、ずっと、聴いたことがないような、だけど、重々しく厚みのある音が流れ続けている。作曲家でもあるアーティストが制作した楽曲だと思うが、この音が流れ続け、作品が目の前にあり、もっと外が暗くなったところで鑑賞すると、もっと没入して、違う世界の感じが深まったと思う。

 意外なテーマ。だけど、そこにいると、現代に関係しているような気もしてくる。

 体験する展示なのだと思う。

 

 さらには、そこにいたスタッフの方々に質問すると、とても丁寧に的確に答えてくれたから、その空間が楽しめたので、感謝もしている。

 ありがとうございました。

 

 

 

 

 

 

 

 

岡本博紀個展『花と蕾』。2026.4.3〜4.12。GALLERY futari。

2026年4月11日。 

 自分がよく利用している私鉄沿線で、駅のそばにギャラリーがあるのは知っていたけれど、なかなかいく機会がなかった。

 ただ、今回の展示は繊細で、植物をモチーフにしていることもあり、妻と駅の改札で待ち合わせをして、その始めていくギャラリーに向かった。

 そこには思った以上に細やかに繊細に、おそらくは丁寧に制作されたであろう作品が並んでいた。花や植物が多く描かれていて、中には、暗いところで光るような素材も使われているのを照明を消して実際に見せてくれたり、制作をしている様子を公開してくれてもいたし、作家本人が作品の説明をしてくれた。ありがたかった。

 トレーシングペーパーなどを使って、細い線をリトグラフと間違えるくらいに狭い間隔で描いている作品がある一方で、かまぼこ板を使ったラフな仕上がりだけど魅力的な作品もあった。

 綿密に細やかな作品と、気持ちがそのまま出ているドローイングのような作品の両方ができるのは、長く制作を作る、という意味でも、より多くの人に届くとい側面からも、強みのように感じた。

 また来たいと思えるギャラリーだった。

 

 

 

https://art.galleryfutari.com/2026/03/20/%e5%b2%a1%e6%9c%ac%e5%8d%9a%e7%b4%80%e5%80%8b%e5%b1%95%e3%80%8e%e8%8a%b1%e3%81%a8%e8%95%be%e3%80%8f/

(『GALLERY futari』)

 

やんツー個展「浮遊する器官」。2025.2.25~4.5.BUG。

2026年4月4日。

 東京駅から近いから、とても寄りやすいギャラリーの一つだと思う。自分にとってはあまり知らない作家でも実際に見ると、魅力的な作品だったので、このBUGギャラリーは、どんな展示をするのかは、比較的、気にしている。

 

 今回のやんツーは、他の場所でもテクノロジーを使って、それが最先端の機能を利用しているというよりは、その技術のぎこちなさや不自然さを、観客側に伝えてくれるようで、気になっている。

https://bug.art/exhibition/yang02-2026/

(「やんツー個展」BUG)

 今回は、このギャラリーは天井が高いことを生かして、実際にドローンを浮遊させるということなので、その稼働する時刻を見て、ギャラリーに来た。その「作品」が始まるまであと30分。時間が余るかと思ったら、その間に、ドローンについての専門的な知見などを語るインタビューの映像や音声に触れていたら、時間が経った。これまで無知だったのだけど、ドローンが、どれだけ戦争を(よくない意味で)変えているかもしれないことは、少しだけわかった気がした。

 

 それから、午後5時30分にはゲージが閉められ、、投石器とドローンの戦いの場は、リングのように観客からは距離を取ったのだけど、そこでの対話もAIも利用しているようで、やはり、昔の武器と、ドローンは、ある種の断絶があるほど質が違うのではないか、ということや、ブーンという大きなハエのような音を立てているのに、空中に自然に止まっているドローンは、これで軍事に使われ、急に現れたら本当に怖いだろうというような想像はできた。

 

 気がついたら時間が経っていた。少なくともドローンへの見方は、これまでが、知らなすぎるとは言っても、確実に変わった、と思う。

 

 

 

https://www.nadiff-online.com/?pid=172919058

(『やんツー作品集』)

 

 

袴田京太朗 隠された、2026.3.6~3.29。Museum+205。

 川崎市市民ミュージアムが水害によって閉館から、閉鎖になってしまったのは、多摩川をはさんだ地域に住んでいる人間にとっては、少し強引だけど、地元のミュージアム、という意識もあったので、それほど頻繁に通っているわけでもなかったのだけど、やはり残念だった。

 そして、その川崎市市民ミュージアムの施設は閉鎖状態にあるものの、その活動が継続されていることも知って、それがかたちになった展覧会が、川崎市役所本庁舎復元棟2階、という、どこか不思議な響きを持つ場所で行われていることを知った。

 

2026年3月27日。

 時間ができたので、展覧会に行くことにした。

 京急川崎駅に着いて、一瞬、どこへ向かえばいいのかわからず、駅のスタッフに、その行き方を教えてもらった。

 もしかしたら、初めて川崎市役所の本庁舎に来たし、その中に岡本太郎の作品が置かれていることも、復元棟と言われる存在があることも、その一角が展示室になっていることも知らなかった。

 

川崎市在住の彫刻家、袴田京太朗氏はこれまで彫刻でよく使われる素材とは異なる日用品や電線、アクリル板などを用いて制作を試みてきました。近年は「複製」をテーマに制作に取り組み、オリジナルとコピーそれぞれの本質、そして両者の関係性を探求し続けています。

 本展では、袴田氏のふたつの作品を中心に展開します。ひとつは3つのバラバラな要素が大きなカーテンを介して共存する作品《ザンダー》(令和5年)です。タイトルでもあるドイツの写真家アウグスト・ザンダー(1876-1964)の写真作品《盲学校の子ども》をモチーフにした人型の彫刻が、この作品の核となります。もうひとつは、川崎市ゆかりの彫刻家・圓鍔勝三(1905-2003)の作品《裸婦と佛》をモチーフにした、発泡スチロールの積み重ねを用いて制作された高さ3mにもなる新作の大型作品です。いずれの作品にも、見えていないはずのものが創り出されていたり、不確かさの存在を認識しながら制作されていたりと、どこか曖昧で危うい何かが潜んでいます。

                   (『川崎市志民ミュージアム』サイトより)

 部屋に入ると、天井まで届きそうになっている大きな立体が嫌でも目に入る。ただ、それが発泡スチロールで作られているのも少しでも近づくとすぐにわかるから、重さはあまり感じず、同時に威圧感も少ない。積み重ねて作られたもので、それで、頑丈というようなこととは別の存在感が伝わってくる。「裸婦と佛」をモチーフとしているというが、元の彫刻作品は写真で見ただけだが、受ける印象が全く違う。

 目立つ立体作品はもう一つあって、それは写真作品《盲学校の子ども》をモチーフに彫刻作品にしたものだった。その隣にはカーテンで囲まれた場所があり、その表面には缶バッジがつけられているが、このカーテンの中は見ることもできず入ることもできないから、想像するしかない。

 

 主な展示物は、彫刻作品の素材を変えて、(おそらくは)大きくした作品。その周囲には、意味を考えさせるような、さらに小さめの立体物も配置されている。

 写真という2次元を、3次元の立体にし、その周囲にも、意味が説明されていない作品が並べられている。

 気持ちが一定方向にいかなくて、それは落ち着かないような気持ちにもなるけれど、そのおかげで、思考は広がるような気がする。

 川崎市民ミュージアムの活動が継続していることが、うれしかった。